14 billedkunstnere tager os med et spadestik dybere

Billedkunstnerne Jonna Pedersen og Simon Grimm inviterer os i selskab med 12 malerkolleger på Janus – Vestjyllands Kunstmuseum i Tistrup, hvor de har fyldt tre store, rå og nøgterne rum med malerier. Og kun malerier. Her drages vi ind i netop den genre, og får den vendt og drejet på malernes præmisser.

De medvirkende er Astrid Marie Christiansen, Simon Ganshorn, Simon Grimm, Melou Vanggaard, Kristian Devantier, Nana Bastrup, Matvey Slavin, Mie Olise, Emily Gernild, Jonna Pedersen, Martin Askholm, Anita Viola, Mia-Nelle Drøschler og Annette Olesen.

Kunsten på det personlige plan
Alle udstillingens kunstnere præsenteres udførligt ved hver for sig at svare på seks spørgsmål og ved at uddybe deres egen aktuelle praksis i tekst og billeder, redigeret af forfatter og kunstformidler Helene Johanne Christen-
sen. Grafisk designer Malene Maury har sat præsentationerne smagfuldt op
til plakatformater, der hænger som introduktion til hver kunstners værker,
så vi bliver klædt sjældent godt på.

– Det er spørgsmål, man måske har lyst til at stille kunstnerne undervejs, siger museumsleder Anne Grethe Sværke, som i første runde har gjort god brug af introduktionerne på den virtuelle fernisering og på videopræsentationer, siden udstillingen åbnede for coronalukkede døre.

– Nævn tre forbilleder for dit kunstneriske arbejde. Hvordan påvirker dine forbilleder dit arbejde? Bruger du deres billeder i din kunstneriske proces, og i så fald, hvordan? lyder det første spørgsmål.

– Har du altid været inspireret af de samme kunstnere, eller har det ændret sig over tid? lyder det næste.

– Er du vokset op i et hjem med kunst? Har det haft betydning for dit kunstneriske arbejde? vil vi gerne vide.
– Hvornår havde du første gang en betydningsfuld oplevelse med kunst?
Og har den oplevelse betydning for dit kunstneriske virke i dag?
Her kommer vi endnu tættere på.

– Hvor kommer dine billeder fra? lyder det sjette spørgsmål, inden kunstnerne uddyber deres kunstneriske praksis i et artists statement.

Nogle har kunsten med hjemmefra, mens andre slet ikke har den backup. De fleste har tegnet i starten.
En vis fortrøstning for også vor tids unge giver det at læse, at en god del af kunstnerne har fået deres første personlige møde med kunsten i deres gymnasie- højskole- eller HF-tid, hvor inspirerende undervisere åbnede elevernes øjne for den verden. Og derpå er jagten gået ind efter det, som giver fylde.

Form og forbilleder
Jeg vover her at dele de fjorten kunstneres udtryksform ind i tre hovedgrupper, for beskrivelsens skyld. Der er selvsagt overlap og tangenter på tværs, for grupperinger og modeller er altid en reduktion, som ikke kan være helt fyldestgørende.

Astrid Marie Christiansen, Simon Ganshorn, Simon Grimm, Melou Vanggaard, Kristian Devantier, Nana Bastrup, Matvey Slavin og Mie Olise tematiserer aspekter indenfor maleriets form, struktur og materiale med tydelig forankring i kunsthistoriens formelle udvikling.
Det gælder fx lærredernes form, begrænsninger, rumlige udvidelser og overflader, samt kompositioner af kunsthistorisk tilsnit. Gruppen her udøver en grundforskning i maleriets væsen.

Kristian Devantier skaber deciderede parafraser over forgængeres ikoniske motiver, og hos Nana Bastrup, og til dels hos Matvey Slavin ser vi i baggrunden tit en gentolkning af egne motiver.

Netop med hjælp fra den ovennævnte præsentation forstår jeg også det ekspressive i Mie Olises motiver som et udtryk for, at hun bygger videre, og selv skubber til historiens forventninger til kvinders malemåde.

Omverden og nutidsbilleder
Emily Gernild, Jonna Pedersen og Martin Askholm byder indenfor i værker, der tematiserer noget genkendeligt, noget overset fra vores nære omverden, fra generationens kulturhistorie. De holder et spejl af erindringer op for os, og stiller ind på nærværet i nutiden, og manglen på samme.

Med kunstnerne her er vi inde i det mere narrative felt. Emily Gernild maler ekspressivt, intuitivt. Jonna Pedersen maler mere stringent med en tidssvarende palet, og Martin Askholm tager syntetiske farver ind i landskaberne og bibringer dem et twist og et anstrøg af de grafiske rum, han oftest færdes i.

Natten, drømmen og intuitionen
Anita Viola følger os ind i en romersk nattestemning, tydeligvis inspireret af Peter Doig. Lyssætning og farvesammenstilling lader os sanse tusmørkets stilhed, brudt af fjerne stemmer under parkens træer ved Villa Borghese.

Mia Nelle Drøschlers malerier udtrykker et ganske andet stemningsleje, hvor et drømmende chaos sætter elementerne i bevægelse.

Udstillingens nestor, Annette Olesen, komponerer nogle syrede visioner med løsrevne, genkendelige elementer, som suger beskueren ind i et sjæleligt og på én gang stærkt og skrøbeligt univers, Rosens Ring.

Sådan kommer vi rundt om 14 måder at male på.

Siden Adam og Eva og dyrene har vi kategoriseret og sat navne på fænomener, og reduceret kompleksiteten for vore øjne.
Jeg har forsøgt med ord.
Kunstnerne gør det – og det modsatte i flere dimensioner.
Og hertil har de to kuratorer foretaget et nuanceret udvalg blandt deres kunstnerkolleger.

På museets hjemmeside kan man se videoindslag og læse de enkelte plancher.

Men – På det varmeste anbefaler jeg udstillingen i Janus – Vestjyllands Kunstmuseum, når muligheden byder sig.

Det er et sanseligt møde, og et fornemt møde med et udvalg af vor tids malerkunst, og oplysninger om, hvad der har ført de enkelte kunstnere
frem til den præmis, de arbejder ud fra i dag.

Udstillingen flytter til SAK Kunstbygningen i Svendborg
fra 24. april til 30. maj.  

Janus – Vestjyllands Kunstmuseum
Lærkevej 25 – Tistrup
Forlænget til 18. april

Tekst og fotos: Inge Schjødt, komkunst.dk
Klik og se bedre billedkvalitet

 

 

 

 

 

Det er moderne at indrette sig med klassisk salonophængning, og nye spillere har værkerne – med og uden glas og ramme

Vi holder af hyggen, og der indrettes i stor stil med original kunst, kombineret i tætte salonophængninger, suppleret med værker i skulpturelle formater. Ind imellem føjes et arvestykke, eller et ældre værk i en smuk ramme til samlingen, og forskellige kunstneriske epoker mødes på nyrenoverede vægge.

Til at præsentere den originale kunst er der kommet nye spillere på banen, som formår at servere såvel ny som ældre kunst i appetitlige formater.
To af spillerne er Kunstsalonen og Københavns Kunsthandel, der begge når ud til publikum via intens brug af sociale medier, som fx Instagram. Her fås samtidig et yngre kunstpublikum i tale.

Intime møder med samtidskunsten
De går som varmt brød, kunstværkerne, når Kunstsalonen slår dørene eller prislisten op, online. Siden 2017 har Anne Aarsland og Mette Helena Rasmussen formidlet kunstsalg ved PopUp-udstillinger i inspirerende private omgivelser, og via onlinesalg.

Netop præsentationen i private hjem giver en oplevelse af tryghed og fortrolighed i valgsituationen.

PræCorona var salonerne store tilløbsstykker med kø i trappegangene på Amagersalonen, Fuglebakkesalonen, Hellerupsalonen m.v., og nu er det opløftende at se, at der fortsat er tryk på, når en ny salon går i luften som onlineudgave. Her lægger de to initiativtagere egne vægge til ophængningerne.

Gennemgående er der en intrikat sanselighed, som appellerer og fremmer lysten til at eksperimentere på hjemmefronten.

Med sikker hånd udvælges og komponeres værker af ret forskelligt udtryk. Her er flere tredimensionelle, væghængte værker samt skulpturer til reolen, gulvet eller sofabordet, afstemte i farver og formater, så det går an at sætte rigtig mange værker ind side om side.  

Initiativtagerne og kuratorerne bag Kunstsalonen er Mette Helena Rasmussen, Master in Fine Arts fra Det kongelige Danske Kunstakademi, der også arbejder som stylist og designdommer på tv. Anne Aarsland er uddannet som billedkunstner, og er cand. mag i kunsthistorie og visuel kultur fra Københavns Universitet.

Solid tingfinder med smag for ældre kunst
En ret ny medspiller med sans for ældre kunst er Københavns Kunsthandel, der er startet i 2020 af kunsthandler Johs Schmidt.

– Efter 20 år i kunstbranchen, heraf 12 år som senior vurderingsmand i auktionsbranchen, ønskede jeg at være fuldt ansvarlig for hvilke objekter jeg sælger. Med Københavns Kunsthandel har jeg endelig mulighed for kun at omgive mig med den kunst jeg elsker, uafhængigt af hvem der har skabt det og hvornår,’
– udtaler Johs Schmidt, som lægger vægt på godt håndværk, originalitet og relevans.

Også han gør flittigt brug af instagram, og har fået såvel museer som de unge (førstegangs-)købere blandt sine kunder.

Det er glædeligt at se, at kvaliteten vælges til, og at den originale kunst kommer på nye søm og hylder i flere hjem og samlinger. Med indsatsen fra Kunstsalonen og Københavns Kunsthandel reduceres mængden af plakatfulde eller halvdøde skifterammer. Og forhåbentlig tages en del af galleriskrækken ud af nye generationer, så døre åbnes for yngre kunstelskere og -samlere.

Kunstsalonen
Se næste location/online
www.kunstalonen.com

Københavns Kunsthandel
Gl. Kongevej 167 B
Frederiksberg
www.koebenhavnskunsthandel.dk

Af Inge Schjødt, komkunst.dk
Publiceret: Kunstavisen.dk, marts 2021              

GONZALO DUPORT UDSTILLER INTERAKTION PÅ MISSISSIPPI – KUNST OG KULTUR

Billedkunstneren Gonzalo Duport er en af udstillerne, når Mississippi Kunst og Kultur på Thyholm slår dørene op for forårsudstillingerne.

Menneskene i hans kvarter – Las Ciudades de Un Tal Duport. De rare og de skumle, fodboldspilleren, politimanden, de skønne kvinder. Ind imellem dukker hans hund og bevæbnede skurke op på lærredet, hvor tanker og drømme vrimler frem. Dertil kommer La Chicas – Pigerne. Pigerne i hans kvarter stjæler gerne billedet.

Ansigter, figurernes hår og øjne, vokser næsten af sig selv ud af Gonzalo Duports penne og pensler, og formes i selve arbejdsprocessen med farver og linjer. Han arbejder intenst med at udforske stregens egen logik i små og store formater, og går i INTERAKTION med form, rum og materialer. Senest har han malet udenpå glasset.

– Er hun ikke smuk? spørger Gonzalo Duport, når han løfter blikket.
– Mange spørger, hvem pigerne er i mine billeder, om de er portrætter. Det er de ikke, men det jeg ser, det gemmer jeg i mine tanker, og så kommer de en dag ud på papiret, eller på lærredet, forklarer den 35-årige kunstner.

På udstillingen INTERAKTION vises et udpluk af forskellige genrer, kunstneren har beskæftiget sig med.

Undtagen i disse coronatider, så er Gonzalo Duport en fast gæst i Danmark, hvor han kommer, bor og arbejder ca. tre måneder ad gangen med baser i København, Varde og Aarhus.

I hjemlandet Argentina knyttede Gonzalo Duport tidligt forbindelse til Danmark via en dansk-argentinsk folkeskole. Han kom til Danmark, støttet af Rotary, til HF-studier i Varde. Her fandt han sin livsbane i mødet med en kunstlærer på HF i Varde. Siden kom Gonzalo Duport på højskole i Haslev, og fik atelierer til rådighed og et stort netværk.

Undervejs er det blevet til udstillinger eksempelvis
– Holbæk Æglageret – Holbæk Kunstforening i 2019
– Skærbæk Kunstcenter 2019
– Arbejdsophold i Kunsthal VARTE samt galleriudstillinger i Esbjerg, Odense, Slagelse, København og flere kunstforeninger i Aarhus, Kolding, Kgs. Lyngby m.m. 

I 2012 udsmykkede Duport kontorhus for Incuba, Aarhus, og i 2017 udførte han en stor udsmykning på virksomheden DIS – Dansk Ingeniør Service A/S ved Skanderborg.

Gonzalo Duport har gennem årene udført en del vægudsmykninger, såvel i Danmark, som under rejser i Indien og Nepal og i hjembyen Tres Arroyos, i det sydøstlige Argentina.

– Inge Schjødt, komkunst.dk, som har udvalgt udstillingen til Mississippi 2021 i samarbejde med kunstneren 

Udstillingen med billedkunst af Nana Rosenørn Holland Bastrup og møbeldesign af Per Holland Bastrup lever fornemt videre i bogform

Galleri Kunstmix på Østerbro lagde i foråret 2019 rum til udstillingen Maleri & Møbleri. Her samarbejdede arkitekten, far, Per Holland Bastrup og billedkunstner, datter, Nana Rosenørn Holland Bastrup om en duoudstilling af særligt karat. Anledningen var 100-året for kunst- design- og arkitekturskolen BAUHAUS, og inspirationen til udstillingen kom fra et ikonisk Bauhausfotografi af Erich Consemüller, der afbilleder en stol, med en siddende kvinde, som bærer en maske, skabt af kunstneren Oskar Schlemmer.

Kunstmix har udgivet en smuk bog på 156 sider, som beskriver udstillingens idé, hvor begges værker præsenteres i et lækkert format.
Bogen er et vidnesbyrd om et kreativt kredsløb mellem far og datter, og viser Nana R.H. Bastrups elleve malerier på udstillingen, og giver en særskilt fin
præsentation af 27 af Per Holland Bastrups unikke møbeldesign, gengivet med skitser og inspirationskilder.

I forbindelse med bogens tilblivelse fortalte de to medvirkende om tankerne bag.

Et cirkelslag
Som billedkunstner er man naturligt i dialog med kunst, kultur og arkitektur, et træk, som Nana R.H. Bastrup loyalt udfolder i en stor del af sine værker, men at udstille sammen med én, der laver møbler, det er usædvanligt. Vilhelm Lundstrøm og Finn Juhl blev vellykket vist sammen i 2017 på Brandts, og i forretningen Designmix, der drives af forældreparret Bastrup, sammenstilles kunst, møbler og designgenstande løbende i vekslende forløb.
Møblerne har været der, fra Nana var helt lille. De to x Bastrup har siddet, stået og gået i dialog altid, og med udstillingen formåede de at forstærke den andens spotlight.

I udstillingen mødtes far og datter helt konkret i billederne. På Nana R.H. Bastrups bemalede fotos i hovedværket [KURIOSER DIALOG] sidder de face-to-face, men maskerede i hver sin stol, som Per Holland Bastrup har designet. Nana har iscenesat en eksotisk stemning, som går igen i flere af billederne med en af de to, med masker og Pers møbler som aktører. Far og datter deler en fælles interesse, både for ikoniske Bauhausinspirerede elementer og for afrikanske masker, figurer og møbler. Begge undersøger de sider af de eksponerede genstande, og afsøger forholdet mellem artefakter, transformation og identitet.

– Du er, hvad du sidder på, har Nana R.H. Bastrup udtalt.
– Sidder du på en høvdingestol, så er du høvding. Den er en identitetsmarkør, en maske til din rumpe.
– Og, på din maske skal jeg kende dig, kan man tilføje med Blixens ord.

Møblerne af Per Holland Bastrup, særligt stolene, står som eksperimentelle ikoner, der er blevet til, nærmest som skulpturer, men dog funktionelle skulpturer. Per Holland Bastrup er uddannet murer, bygningskonstruktør og arkitekt fra Kunstakademiet i 1983.

Som møbeldesigner drives han af at forfine. Han udforsker statik, stabilitet, og materialernes anvendelsesmuligheder.
– Jeg sammensmelter de geometriske former, koger det helt ned, så du ikke kan trække fra eller lægge til, uden at udtrykket bliver blodfattigt, fortæller Per Holland Bastrup, som i sine møbler lever op til udtrykket Less is more.

Triangolo, stolen i stål og laminat kom til verden i året, hvor Muren faldt, i 1989.
Den bygger primært på cirklen og trekanten.
– Alting er et billede på sin tid, mener Per Holland Bastrup. Uanset, om du bruger de arketypiske, enkle, geometriske former som udgangspunkt, hvor en cirkel er en cirkel, så kommer materialerne ind med deres særpræg.
– På Triangolo, som oprindeligt hed Tanga, der er det eksempelvis dimensionerne og de ekstruderede stålrør, der former ryglænet, som fortæller om 80’erne. Stolen blev
præsenteret på Scandinavian Furniture Fair 1989 i Bella Center, København.

Stål i dansk møbeltradition
Herhjemme hang der endnu i 1980’erne en duft af træ over næsten alt, hvad der blev anerkendt som godt, dansk møbeldesign. Arkitekten Kaare Klint, faderen for den danske designkultur, havde lagt fundamentet for en dansk møbeltradition med de shakerinspirerede træmøbler tilbage i 1930’erne.
– Efter Verdenskrigen kom der en arkitektonisk og designmæssig strømlining ind. Arkitekten Finn Juhl var inspireret af den moderne, konstruktivistiske kultur, og beskæftigede sig med principper omkring det bærende og det bårne. Med sin Høvdingestol i 1949 hyldede han fortsat snedkerkunsten, fortæller Per Holland Bastrup.

Arne Jacobsen tegnede Myren med tre stålben og det dampformede, laminerede bøgetræssæde i 1952. Hans Wegner tegnede OKSEN med stålstel i 1960, og Poul Kjærholm, der er mester i forenkling, lod sig inspirere af romersk design fra Herculanum. Op gennem 1960’erne og ’70’erne blev Myren og dens afløser 7’eren, samt alle FDB-møblerne folkeeje.

Postmodernistisk gennembrud
På en rejse til Milano med Arkitektforeningen i midten af 80’erne oplevede Per Holland Bastrup det allernyeste indenfor møbelkunst, det italienske ’antidesign’. Det hed postmodernisme. 

– Goddag, blev der sagt i 1981 til Memphis Gruppen med folk som Ettore Sottsass, George J. Sowden, Alessandro Mendini, Shiro Kuramata og Michele de Lucchi. Flere af dem havde baggrund i arkitektur og grafisk design, fortæller han.
– Det var fascinerende, hvordan de gjorde op med traditionerne, skabte elementer, der kunne flyttes rundt, og påførte flag og farver. Italienerne eksperimenterede med materialer som stål og farvede laminater, og de rene, enkle, geometriske former dukkede op.

Allerede BAUHAUS, Mies van der Rohe, De Stijl og Gerrit Rietveld havde pirket til snedkertræets monopol, og forenklet formsproget.
Via et møde med en model af Gerrit Rietvelds Red & Blue Chair tegnet 1917, der fungerede overraskende godt, da Per prøvede at sidde på den, så kom der gang i møbelskitserne og det eksperimenterende. 

– Det konstruktive bag designet og selve statikken interesserede mig. Den statiske trekant er et element, som er dybt forankret hos mig. Den ser man også i såkaldt primitive afrikanske møbler, som netop ikke vipper, når de har tre ben. Den klassiske
malkeskammel er et andet godt eksempel, fortæller han.

– I rokoko-tiden flytter møblerne ud fra væggene, og antager et helt nyt formsprog. Møblerne samles uden sprosser. Sargene i sofaer og stole pines ned, og antager nye former. Konstruktionerne er geniale, udtaler Per. Der er masser af læring og inspiration i de gamle møbler.

Den græsk-romerske Klismos stol har den buede ryg og de svungne ben, som Mies van der Rohe måske skeler til med sin klassiker, Barcelonastolen fra 1929, hvor stel, sæde og ryg ses som selvstændige enheder.

Postmodernisme henter således i 1980’erne atter en meget stor inspiration i den klassicistiske arkitektur.
– Triangolo, som er inspireret af Arne Jacobsens Myrestol, har to ben fortil, og forsvinder bagtil med kun ét ben. Perspektivisk synes det uendeligt, beskriver Per. Stabiliteten på de tre ben arbejder han med i flere møbler. 

Siden 2018 har Per Holland Bastrup arbejdet med en serie enkle møbler i træ, som trækker på såvel BAUHAUS erfaringer og formsprog, som græsk-romersk klassisk møbleri. Eksempelvis modellen TRIPOD FLASH CHAIR med et fremadstrækkende ben,
det orange lyn, der giver stolen en tydelig identitet, og som har en bærende funktion for hele konstruktionen.

Tilbage til fremtiden
Stolen Triangolo er blevet relanceret i en endnu mere skulpturel version med et sæde i stål, og bliver i dag fotograferet til førende magasiner, vist på designmesser og produceres af Frama Cph.

Førsteudgaven Tanga – Stol nr. 1995 02 – findes blandt de øvrige klassikere på Danmarks Designmuseum.
Således har Per Holland Bastrup tilføjet nye kapitler i møbelhistorien.

Med bogen præsenteres en række modeller, man kommer tæt på løsningerne, og ser hvordan Per Holland Bastrup fører ideer og principper ud i virkeligheden. Signaturfarven Orange, der ses på det lynformede stoleben og i en del af Nana Bastrups værker, der også dannede baggrundsfarve i udstillingen, er fulgt med til bogens omslag.

Alt er gennemtænkt til mindste detalje.

Bogen Maleri & Møbleri
Nana R.H. Bastrup & Per Holland Bastrup
Udgivet af Kunstmix, København, Danmark
Tekst og layout: Matvey Slavin
156 sider, ISBN 978-87-93898-02-8
info@kunstmix.dk
pris: 200 kr +porto

Tekst: Inge Schjødt, komkunst.dk
Fotos: Kunstmix
Publiceret: Kunstavisen.dk – marts 2021 

Replik til samtidens algoritmer: Er det sundt, når der lægges ensrettende filtre ned over nærmest alt, politisk såvel som kunstnerisk?

Det er nyhedsbrevet med Skovhusets nye vision, der slår hovedet på sømmet. Men det er ekkoet fra Folketingsvalget 2019, og der imellem en stribe begivenheder på kunstscenen og i debatten hen over efteråret 2020, der har fået klokkerne til at bimle. Hvad er det, der sker med samfundets diskurs? Er det sundt?

Det er som om, der bliver lagt nogle filtre ind, og vi lader os styre af moderigtige algoritmer, så det, der er i tidsåndens her-og-nu-fokus forstærkes. Det ensretter, og stiller krav i et tempo, der lader én stå rystende tilbage, som en novice udi vinterbadning.

Klimavalget, kom det til at hedde, det Folketingsvalg, der Gud-ske-tak-og-lov bragte et systemskifte i 2019. Her stod valget ikke mellem rød eller blå blok, nej, der blev valgt GRØNT, for kursen skulle lægges om.

Men, klima har det hele endnu ikke handlet om. Der kom en Coronaslæde i vejen. På samme måde, som der landede en Finanskrise i armene på en håbefuld præsident Obama og på statsminister Helle Thorning-Schmidt i sin tid, der gjorde det vanskeligt at indfri de løfter og visioner, de var gået til valg på. Virkeligheden overhalede indenom.

Men, mens regeringen anno 2021 og sundhedsmyndighederne, og alle samfundsbevidste borgere bekæmper Corona, så spirer den grønne dagsorden, og formerer sig ved knopskydning i alle retninger. Det samme gør enkelte andre temaer, der drejer fokus 180 grader, og fornyer en outdated dagsorden indenfor #herredømme, #ligestilling, #køn og #kolonistyre.

Men, det virker ikke lige sundt, alt det der foregår. Der er en redundans, en ekkoeffekt, en ensretning af præmisser, som udstrækkes, næsten til kvalmegrænsen.

Her-og-nu med tilbagevirkende kraft
En journalist ringede og spurgte, hvordan det mon går med Falloskunsten, her efter #MeToo vækkelsen? Som om kunstscenen skifter g-streng i samme tempo som Side 9-pigen, og omredigerer indhold efter formiddagsbladenes spisesedler?

Ros fortjener Sophie Lindes tale, og ros fortjener IDOART, som i årevis har rejst debatten om ligestilling. Terningerne er kastet i Sexismespillet på udstillingen Testimony i Kunsthal Vejle, og i Aarhus skifter Kvindemuseet navn. Debatten har fået momentum, og der er et tiltrængt generationsskifte i gang på herretoiletterne.

En anmelder besøgte en udstilling med nysurrealisme, og kritiserede stramt en serie værker i lyset af #MeToo, selvom værkerne var blevet til i en ganske anden kontekst.
En museumsdirektør må stå på mål for en udstilling med to giganter, to (uha!) mandlige kunstnere, der er arrangeret med en helt anden vinkel end alt det, der presses ind under ligestillingsdebatten på museerne.

Vi må være opmærksomme, når kikkerterne efterhånden reduceres til soloprismer!

Ind med bæredygtigheden
Jeg kan ikke svare entydigt på, om det er sundt, med de omsiggribende grønne temaer og trends. Der er ingen tvivl om, at naturen og klimaet fortjener bevågenheden, at ændringen i machokulturerne er på høje tid, og at alle har gavn af bevidstgørelsen. Men, der må spidses penne og hovedpuden må rystes. Ellers bliver vi forført, og bliver blot handlingslamme, døvstumme tilskuere.

Personligt handler det for mig om, at nakkehårene kommer til at rejse sig og smagsløgene slappes, hvis der står #klima og #natur, #MeToo, #krænkelse, og lignende overalt, hvor jeg vender blikket hen. Jeg skal overbevises om, at der vitterligt er substans i brødteksterne, og at der er nuancer at blive klogere på gennem den kunstneriske praksis.  

Jeg venter i spænding på Skovhusets kommende udstillinger under ledetråden kunst og natur, på Arkens Blomsten i kunsten, på Trapholts Tæt på Træer, og på kommende galleriudstillinger i grønne klæder. Må de blive nærende fiberrige, og gerne meget mere end et kommercielt filter, der lægges over alt i forventning om opmærksomhed.

Håbet er lysegrønt!

Af Inge Schjødt, komkunst.dk
Publiceret: Kunstavisen.dk, februar 2021

Klik på illustrationerne, og få en bedre gengivelse.

Fra hylderne i internettets uendelige rum hentes perler af viden og inspiration, og gælder det viden om kunst, er der masser at finde hos Boggalleriet i Rønde

Via Internettet er det muligt at tilgå viden og udføre handlinger i et fuldstændigt abstrakt omfang, som var utænkeligt for et par generationer siden. Overskriften er et citat, et udsagn fra læge og politiker, Ruth Schjødt-Pedersen, født 2. februar 1929, som hun kom med, da hun i 1996 mødte internettet for første gang.

– Hun holdt af viden, af bøger, og det har jeg arvet. Jeg elsker bøger, og at gå ind i en bog- og papirhandel er for mig som at besøge den lækreste slikbutik, hvor det er vanskeligt at holde igen. Sammen med emner og indhold gælder det, at bøgernes design taler til mig, og får de smukkeste til at springe mig i hænderne.

For tiden er det nu virtuelle boghandlere, jeg besøger, og at søge ned over nyhederne fra eksempelvis Boggalleriet i Rønde er en herlig zig-zag tur i kunsthistorien.

Alene ved at læse foromtalerne på bøgerne er der guldkorn at hente – og rigeligt med fristelser at lægge i kurv. Blandt nye bøger er bl.a. Berørt – Om dansk kunst i det nye årtusinde af Maria Kjær Themsen, og KLUGE – en stor præsentation af portrætmaleren Thomas Kluges omdiskuterede oeuvre.

Blandt tidligere udgivelser er der endnu mere at fordybe sig i. Her får du et par bidder fra mine favoritter, hvor forsiderne var det, der først fangede mig, begejstret som jeg er for eksempelvis readymades, collage kunsten og art-deco / art-nouveau designs. Efter bedste evne har jeg oversat nogle udsnit af de engelsksprogede introduktionstekster.

Marcel Duchamp – The Barbara and Aaron Levine Collection (engelsk)
”- Denne bog dokumenterer Barbara og Aaron Levines ekstraordinære samling af Duchamps kunst, en af verdens mest betydningsfulde samlinger af kunstneren, der står for at blive doneret til Hirshhorn Museum og Skulpturpark.
Værkerne, der er indkøbt over en årrække, repræsenterer hele Duchamps karriere, og viser hans afgørende rolle i udviklingen af det 20. århundredes kunst, og hans betydning for kunstnere i dag. Samlingen indeholder en exceptionel gruppe readymades, som fx Hat Rack, Comb, og With Hidden Noise, som viser hvorledes Duchamp prioriterer ideen over håndværk og æstetik. (…) ” – Klik ind og læs selv videre om bogen her.

      Kurt Schwitters – Merz Art
Den næste bog, hvor der er collagekunst på forsiden, er skrevet af Isabel Schulz og handler om kunstneren Kurt Schwitters (1887–1948), der opfandt sit eget kunstbegreb med Merz og Merzbau. ”Schwitters er en af de mest indflydelsesrige hovedpersoner i avantgarden, både som kunstner og som forfatter. Med sin utopi – Merz visionen – sigtede han mod en forening af kunst og non-kunst. Brugen af assemblage og lignende nåede sit første højdepunkt med hans værker; hans Merzbau ses som forløber for nutidens installationskunst. (…) Bogen trækker på en mængde af materiale, fundet i kunstnerens hjem, som har dannet grundlag for ny forskning”, hedder det. 

Og her er endnu en favorit, Charles Rennie Mackintosh (1868 – 1928), skotsk arkitekt og designer, som jeg hørte om, mens jeg selv i midten af 80’erne studerede Indretning og møbeldesign på Skolen for Boligindretning. (Skolen fusionerede med Danmarks Designskole i 1989, og senere Det Kongelige Akademi – Arkitektur, Design, Konservering.)

Jeg har selv besøgt Glasgow og oplevet et af Charles Rennie Mackintosh’ navnkundige Tearooms med de elegante, højryggede stole samt totalindretningen i The Hill House, hvor der var en sans for skønhed og detaljer, man godt kan savne i dagens arkitektur og design. Via internettet kan jeg glæde mig over at se, at der er et imponerende restaureringsprojekt i gang for at bevare The Hill House. Kig med – her.
Bogen Charles Rennie Mackintosh and the Glasgow Style kan du finde mere om her.

Blandt Mackintosh’ samtidige kunstneriske arkitekter og designere kender de fleste nok Antoni Gaudí (1852-1926) som var bygmester i Barcelona, og maleren Gustav Klimt (1862-1918), der var medlem af Wiener Secessesion, og især berømt for Beethovenfrisen, portrætterne af Adele Bloch-Bauer, samt maleriet Kysset.
– Og sådan kan jeg sagtens fortsætte, med stor hjælp fra nettet.

Den største opfindelse siden flyvningen
Det var internettets uendelige rum med tilgængelig viden, der fik min mor til at udbryde: Det er den største opfindelse siden flyvningen. Hun forstod at værdsætte den uendeligt meget lettere tilgængelighed af information, og det glædede hende, at uddannelse blev mulig, for mange flere, verden over, også kvinder.
– At hun selv blev læge skyldtes en god portion vovemod og vedholdenhed, og en tur omkring Rønde Studenterkursus.
– I dag er det muligt for en læge at befinde sig fysisk et helt andet sted, end patienten, og udføre en kikkertoperation over nettet, har jeg ladet mig fortælle. Du milde kineser!

– God tur rundt i det uendelige, virtuelle univers, som det er op til os at bruge, udvikle kritisk sans overfor, og gå på opdagelse i. God læselyst!

PS. Når coronarestriktionerne lægger sig, så kig endelig ind hos Boggalleriet i Rønde, og se bl.a. granitstelen af Erland Knudssøn Madsen og den aktuelle udstilling.

Af Inge Schjødt, komkunst.dk
Publiceret: Kunstavisen.dk, februar 2021

 

Gådefulde værker af den moderne, ironiske surrealist Martin Burridge

Velkommen, byder Martin Burridge, grafisk designer og billedkunstner, da vi mødes uden håndtryk og med passende afstand i herreværelset på Bispebjerg i København.

På tegnebordet ligger skitser til kommende malerier, og på langvæggen er pladsen fyldt op af oliemalerier i proces. Et af dem viser et dystopisk, historisk sceneri, hvor hovedfiguren bærer Pestlægens karakteristiske, middelalderlige mundbind, mens rotterne svinser og svanser i mørke kroge.

I november oplevede jeg et udvalg af Martin Burridge’s værker på udstillingen Den Vågne Drøm på Sophienholm, bl.a. motivet Brave New World – Abandoned by God. Science takes over.

I flere billeder er Dystopia et gennemgående fænomen med rygende, røde skorstene og smoggen som bagtæppe. I værket Brave New World – Better Safe than Sorry ses en figur, formummet bag en apokalyptisk hjelm og gasmaske med en kanariefugl dinglende foran hjelmen på vej ind i et underjordisk tunnelsystem.

– Nu er det uhyggeligt at opleve, hvordan fantasien indhentes af virkeligheden, fastslår kunstneren med en kommentar til restriktioner og coronalockdown.

Martin Burridge er uddannet fra Grafisk Højskole, og porteføljen rummer erfaringer fra bl.a. bogforlag, reklamebranchen og kommunikation i offentlige organisationer.

Gennem en årrække har han tegnet en del pladecovers for metalmusikgenren, hvori det ses, at han er søn af tiden, uden at fantasy-genren dog får ret meget tag i det figurative plan i hans malerier. Siden 2007 har han dyrket oliemaleriet med surrealisten Håkan Nyström som underviser og sparringspartner.
Og i årevis har Burridge selv fordybet sig i kunstens store bagkatalog.

Vidunderligt blik for absurditet
Italienernes voluminøse barokinteriører med draperinger blandes med sci-fi i motivet Viva la Muerte: The Last Rose. 2020, som vi diskuterer en stund. Der er ikke noget at stille op imod metalfascinationen og kraniets dragen hos den evige dreng, men motivet er ekvilibristisk gengivet i clair-obscure.

Nederlandske Rembrandt og tyske Albrecht Dürer er blandt forbillederne, men især spaniernes store dramaer og den religiøse tyngde inspirerer kunstneren.
– Renaissancen og barokken er mine foretrukne tidsaldre, fortæller Martin Burridge, og udpeger motivet Hommage á Zurbarán (1598-1664), hvor en bleg, pietetsfuld munk på en rustrød grund ser længselsfuldt mod himmelrummet.
Malet, så man et øjeblik tror, at billedet har sin oprindelse i Sydeuropa, indtil man ser et robotkranie i hånden på figuren.
Burridge studerer sine forbilleders arbejdsmetoder gennem sit eget eksperiment, og han skaber referencer og udveje med en glimtende humor midt i motivets dunkelhed.

– Jeg elsker museer, men ret tidligt undrede jeg mig over, at man skød et dyr, udstoppede det, og satte det ind i et tableau på et museum, for at vise det vilde dyr, analyserer Burridge, og ironiserer over de menneskelige mistakes ved at skrive Fox på den udstoppede grævling og Badger på ræven, der gerne optræder i hans billeder.

Elefanten i rummet
Der er en evig kamp mellem mennesket og naturen, og teknologien forårsager en både fascinerende og foruroligende indkapsling af livet, mens kulturhistoriske ikoner som Frihedsgudinden, samt ægyptiske og græske statuer forvandles til ruiner.

På et af staffelierne kommer vi ind i et klassisk jagtværelse med trofæer på væggene og Jagtens gudinde i marmor.
Ved den tomme lænestol står jagtgeværet. Menneskets spor skræmmer. Martin Burridge fortæller om det med indirekte, ironiske meddelelser i symbolladede tableauer.

– Fuglene og dyrene er håbssymboler, som helst skal være der.
– Dog er de tit udstoppede eller forbundet med ledninger, påpeger Martin Burridge, der gerne provokerer uden at propagandere.
– Jeg maler ikke politisk, siger han tidligt i samtalen, men reviderer senere udsagnet.
– Jeg maler det, jeg føler.

En vandring i flere dimensioner
Datteren minder ham en dag om de fortællinger, han digtede til hende som Godnathistorier, for hun genkender nogle af temaerne og fremgangsmåden i værkerne, hvor naturelementer og symbolske elementer går igen fra billede til billede i en helt surrealistisk verden.

Sammen med Lænestolen og Bogen er de udstoppede dyr faste ingredienser i serien Dimensions, hvor tyngdekraften er ophævet og alt kan ske.

Vi går igennem labyrintiske museumsgange og skumle sale en-suite.
En astronaut dumper ind fra himmelrummet og forsvinder ud igen.
I loftets vandspejl ses undersiden af en båd.
Der er kig gennem døre og åbninger, hvor det nogle steder er maleriet på væggen, der forvandles til et natursceneri med rindende kildevæld, andre steder er det tapetet, der står som en Tsunami af vand, mens ilden kontrastfuldt brænder inde i det næste rum.

Hvor er vi, og hvor går vi hen? Beskueren føres hele tiden på nye veje.
– Det interessante er det, du selv skal arbejde videre på, slutter kunstneren.

Martin Burridge kerer sig om sin tid og omverden med sin kunst, og nyder den langsomme fordybelse i lærrederne i herreværelset på Bispebjerg. Dog ikke uden en vis skepsis over menneskenes ageren og naturens svar.

Tekst: Inge Schjødt, komkunst.dk
Foto: Trendshots
Publiceret: Kunstavisen nr. 1 / 2021 

Sexismedebatten er forvandlet til 20 kunstværker i det offentlige rum hos Kunsthal Vejle

Med kunstudstillingen ”20 x Testimony” trækkes sexismediskussionen ud i det offentlige rum i et anderledes format, nemlig via den blå smørrebrødsautomat, der udgør Kunsthal Vejle på Banegårdspladsen i Vejles bycentrum.

14 aktuelle kunstnere deltager. Med små værker på 15,5 x 10 x 20 cm undersøges og kommenteres den aktuelle diskurs omkring sexisme, der har præget medierne hen over vinteren, siden Sophie Linde modigt løftede sløret i tv-branchen og dermed afdækkede adskillige buler i gardinerne rundt i kultur- og erhvervsliv, samt ikke mindst i en række politiske organisationer.

– Når overskrifterne i medierne lægger sig, træder samtidskunsten til som et tidsaktuelt spejl, hvor vi får nye måder at se aktuelle tematikker på.

– Det er det kunst kan, udtaler Sanne Juhler Hansen, der er projektleder for Kunsthal Vejle og for udstillingen, hvor Anna Skov Hassing, Marie Thams, Peter Brandt, Stine Ofelia Kildevang, Matvey Slavin, Britta Egebjerg, Ditte Lyngkær Pedersen, Søren Hüttel, Helle Koch, Jonna Pedersen, Simon Grimm, Anna Sofie Bank, Faranak Sohi og Marie-Louise Exner medvirker.

På udstillingen blandes medier og metoder, tekster og billeder, materialer og udtryk.

Kast terningen og tag snakken
Billedkunstner Jonna Pedersen bidrager med ”Sexismespillet” i form af en terning
med seks rappe udsagn, sakset fra nettet med mænds og kvinders testimonies.

– Smil noget mere!
– Er den korte kjole et tegn på, at du gerne vil kneppes senere?
– Raget på uden at ha’ lyst.
– Hun har spredt ben for at komme til tops.
– Næste gang du laver den fejl voldtager jeg dig.
– Overbegloet på klokkeværket, står der på siderne af terningen.

Med værket ønsker Jonna Pedersen at sætte fokus på, hvor vigtigt det er, at kvinder og mænd har en dialog omkring sexisme, vores egne oplevelser, vores respektive grænser, og hvordan vi behandler hinanden og ønsker at blive behandlet, fortæller kunstneren.

Søren Hüttel har valgt at fokusere på magtforhold og magtmisbrug med udsagnet
”I know what you did last summer”.
Kunstneren gør også opmærksom på den tilstand af retsløshed, der rulles ud, når folkedomstolen kører, eksempelvis på sociale medier.

Matvey Slavin illustrerer sladderens grumme ansigter med sit minimaleri Krænkelsesblomster.

Det er planen at udstillingen foldes ud i løbet af foråret med en begivenhed i Vejles butikscenter Bryggen, hvor publikum kan deltage i debatten.
– Men nu må vi se, hvad coronatallene siger.

Foreløbig kan de i alt tyve små kunstværker opleves og give anledning til diskussion døgnet rundt på Banegårdspladsen i Vejle.

20 x Testimony – Vejle Kunsthal
Banegårdspladsen – Vejle
Frem til 11. marts

Af Inge Schjødt, inge@komkunst.dk
Publiceret: Kunstavisen nr. 1 / 2021

 

Coronanød lærer én at nyde Corner kunsten digitalt via et besøg i Corner Shop, idet åbning af udstillingen er udsat på ubestemt tid

Corners udstilling er blot én blandt mange, som publikum for tiden er forhindret i at besøge fysisk. Men der findes en digital vej, idet udstillingens værker også i år præsenteres i Corner SHOP på sammenslutningens hjemmeside. Kom med på Corner – https://corner.dk/shop/

Her er det en noget anderledes oplevelse, der venter, når man klikker ind på kunstnernes profiler en for en, og ser de enkeltes bidrag og værkerne på stribe på skærmen. Anderledes i forhold til tidligere års tætpakkede udstillinger på Sophienholm, hvor både Staldloftet, Cobrarummet, Norske Hus og Orangeriet var taget i brug for de godt 400 værker.

Der er fordele og ulemper i det digitale format, idet nogle værker har godt af at blive set isoleret og kondenseret på skærmen, ovenikøbet med den lysende baggrund, hvor andre værker ikke klarer denne eksponering helt så godt.

Scener fra et kunstnerhjem
Kunstnerne er, som de fleste andre bundet af restriktioner og ændrede arbejdsvilkår, og nogle må undvære værksteder og muligheder for at lave tryk i samme kvalitet, som tidligere år. Andre har taget de hjemlige scener under kærlig behandling, både nu og i naturlig forlængelse af tidligere temaer og studier.

Martin Askholm præsenterer en serie akvareller og enkelte tryk, og de gør sig godt på skærmen. Man fornemmer akvarellens taktilitet, og genkender den japanske indflydelse på Martin Askholms kunst, eksempelvis i de boblende skyer. Hans motiv Washed Up henleder tankerne på det monster, der er dukket op i vores verdensbillede.

Claus Handbergs malerier har ligeledes noget taktilt over sig, malet som de er på MDF plader af træspån og finerede overflader. Men de får desværre ikke de forløb og det rum, de kræver for at komme rigtigt til deres ret. Her er skærmens format slet ikke nok til at begribe den stemning, der ligger i Handbergs sanselige skildringer af hjemlige scenerier og af mytologiske motiver. Her går det lidt bedre for Finn Heibergs studier fra køkken- og arbejdsbordet.

Lars Heiberg arbejder med digitale tegninger, og hans hjemstavnsinspirationer fra pudestramaj og fra hylden med kitsch gør sig godt på den lysende baggrund, som eksempelvis motivet med den kloge Ugle.

Linda Bjørnskov materialiserer i ekspressive strøg på træ og på lærred, hvordan familiehistorier rummer meget andet end blød idyl, eksempelvis i værket med spørgsmålstegnet, Morgener på Mozarts Plads. Tjek hende ud, hun fortæller råt for usødet, så man får hjertebanken.

Camilla Thorup er med som gæst sammen med Anne Torpe, Anne Marie Ploug og Ivan Andersen.
Camilla Thorup præsenterer en række bemærkelsesværdige skulpturer i keramisk stentøj. Mere og mere ikoniske fremtræder hendes forenklede dobbeltfigurer, som her i Det ene hoved og kattene, fotograferet af Mathias Andersson. Det er klart et værk, hvortil man får lyst til at klikke Tilføj til kurv.

Snart kommer vi i øvrigt til at se mere til Thorups værker i det offentlige rum, idet kunstneren har netop fået til opgave at skabe en række skulpturer til Kastrupgårdsamlingens udendørsareal.

Grøn profil
Det er, som nævnt, ved at klikke ind på kunstnernes kontrafejer enkeltvis, at man får et digitalt indtryk af årets Cornerudstilling. På oversigten finder man så lidt overraskende en profil under navnet GRØN, og her er der 46 grønne bidrag fra de medvirkende kunstnere.

Merete Hansens modernistiske frugtskål springer særligt i øjnene sammen med Leif Madsens akvareller fra planteriget. Endvidere bemærkes træsnit fra Lars Ravn, Egon Bjerg Nielsens Collage, og Lars Heibergs Camouflage, som flabet pirrer fantasien. 

Værkerne i det grønne tema er tiltænkt en selvstændig præsentation i Norske Hus på Sophienholm, og i kataloget bidrager Mogens Gissel med sine tanker om GRØN, både som farve, kunsthistorisk, og som tidsaktuelt ord.

Håbet er lysegrønt
Det digitale format er bedre end ingenting. – For de mange dedikerede kunstnere fortjener vores indsats og vores opmærksomhed.

Her er godt 400 værker fra mere end 30 kunstnere at gå på opdagelse i. Men både de og vi kan kun se frem til, at vi må komme og opleve kunsten fuldt udfoldet for vore øjne på Sophienholms vægge.

Bedre sent end aldrig – måske lykkes det at åbne i februar.

Corner udstillingen 2021
Corner.dk/shop og Sophienholm
Frem til 14. februar

Af Inge Schjødt, komkunst.dk
Publiceret: Kunstavisen.dk, januar 2021